THE ETERNAL FRAME (1976) ANT FARM

THE ETERNAL FRAME (1976)
ANT FARM

ANT FARM es un colectivo de arquitectos de california fundado en 1968, este grupo de arquitectos incursionó en el video y las artes gráficas, enfocando estas artes al performance. The eternal frame es una colaboración con otro colectivo dedicado al arte del performance y multimedia, fundado en 1970 llamado TR Uthco, en esta obra se hace la reconstrucción del asesinato de John F. Kennedy, en esta pieza se explora cómo el asesinato de Kennedy se convirtió en una nueva realidad mediática (espectáculo mediático, una realidad montada) presentada por los medios para el consumo de la sociedad. 

En este trabajo se cambia la dramática pero no la sustancia del evento, pues las actuciones realizadas por ellos mismos son una exageración de los hechos ocurridos, pero que al presentarla por la Tv se equiparan al suceso televisivo "real" pero sin cambiar la sustancia, osea la experiencia mediática es casi la misma. Este trabajo se hace con la conciencia de que lo que se presenta en la televisión es igual de exagerado y montado que la representación realizada en The eternal frame 

Es interesante como este colectivo de arquitectos replantea o mejor dicho vincula la arquitectura con la creación de espacios por medio de otras artes, es decir utiliza el video y el performance para hablar de espacios más que de narrativa.

NAM JUNE PAIK “Good Morning Mr. Orwell” (1984)

Good Morning Mr. Orwell (1984)
Nam June Paik
con la participación de Salvador Dali, Allen Ginsberg, Phillip Glass, John Cage, y Laurie Anderson


Esta pieza experimental fue en honor al escritor George Orwell y a su novela titulada 1984 escrita en 1948 en la cual Orwell planteaba que en un futuro el medio televisivo podría ser capaz de convertirse en un medio para el manejo y manipulasión de las masas. Esta pieza realizada por Nam June Paik también conocido como el padre del video arte hace un experimento televisivo dónde se juega con la transmisión en vivo y la señal satelital, en este proyecto participaron artístas como Salvador Dali, Allen Ginsberg, Phillip Glass, John Cage, y Laurie Anderson.

Nam June Paik fue un videoartísta surcoreano famoso por sus trabajos de video instalaciones y video estructuras, simpatizó con el moviemiento Fluxus el cual se declaraba en contra del objeto artístico como mercancía, el trabajo de Paik se centran en una crítica hacia la imagen mediatizada y a la fragmentación del cuerpo en el medio televisivo, la pieza hace una crítica a la sociedad envuelta en la imagen masificada por la televisión.

Cine Narrativo y Cine de Vanguardia

Los hermanos Lumiére, Viaje a la luna de George Mélié,  Anemic Cinema de Marcel Duchamp

El cine nace como un espectáculo popular para las masas, la facinación por ver una imagen en moviemieto y sobre todo por ver la "realidad" plasmada en la pantalla fue lo que desencadeno esta fascinación por la industria cinematográfica cómo en el caso de las imágenes proyectadas por los hermanos Lumiére, posteriormente surgen otros factores como la narrativa en el cine que buscan encontrar algo más alla que una imagen proyectada, se busca contar historias, con elementos narrativos más estructurados por ejemplo Viaje a la luna (1902) de George Mélié que incorpora un cine narrativo con estructura aristotélica pero que además incursiona en los efectos especiales dentro del medio cinematográfico, donde se narra la historia de un aterrizaje a la luna.

Viaje a la luna (1902) de George Mélié

Poteriormente los realizadores de la industria cinematografica no solo buscan nuevas fomas de narrar sino que también se interesan por los nuevos avances tecnológicos que traeran consigo nuevas ideologías y vanguardias que buscan innovar tanto con el medio físico cómo narrativo del cine. El cine experimental nace de la necesidad de buscar una nueva expanción del medio cinematográfico, una nueva forma de decir y ver las cosas (lenguaje), nuevos soportes tecnológicos y una nueva tendencia que no solo ve en el cine un epectáculo para las masas sino un medio con una auto conciencia sobre el mismo medio y el arte.

 Anemic Cinema (1926) de Marcel Duchamp

AQUÍ Y EN OTRO LUGAR (1976) JEAN LUC GODARD.

 

 

 

 Aquí y en otro lugar 

Francia 1976

Jean Luc Godard, Jean.Pierre Gorin y Anne-Marie 

78 minutos

 

En este filme Godard utiliza diferentes elementos del montaje, manipulación de imagen y narración para lograr un filme basado en el conflicto territorial, ideológico, y simbólico entre Palestina e Israel, la narración a más de una voz y más de un sentido narrativo con las imágenes de la guerra y el conflicto en conjunto con las imágenes de una familia francesa viendo las noticias sobre dicho conflicto desde la comodidad y cotidianidad de su casa son los elemtos que hacen de este filme un ensayo fílmico sobre la realidad, como podemos entender la realidad desde un documental experimental en el cuál se nos muestra no solo lo que pasó durante la filmación sino que también se nos cuenta el proceso de edición de la pieza final.

 

Godard es uno de los personajes más represativos de la nueva ola "Nouvelle vague" conformado por cineastas franceses en la decada de los 50 que se caracterizaron por proponer técnicas inoovadoras y no clásicas en cuanto al montaje y la realización. 

LA SOCIETE DU SPECTACLE (1973) GUY DEBORD

 La Societe du spectacle (1973)

Guy Debord

88 minutos

Guy Debord fue un escritor, teórico y cineasta frances perteneciente a la Internacional Letrista y fundador de la Internacional Situacionista que se proclamaba contra la sociedad de clases y el capitalismo, dentro de este movimiento artístico formaron parte pintores, escritores, arquitectos, cineastas. 

Debord utiliza en este filme una serie de imágenes y material de archivo que son sacadas de su referente inmediato cómo películas, anuncios comerciales, noticias, etc., ya que son imágenes conocidas por las masas y concidas en masa pueden ser modificadas o por lo menos usadas en conjunto con otras imágenes y otros referentes sin que nada se afecte, acompañadas por una infiinita narración a lo largo de la película, en este filme así también cómo en su libro que tiene el mismo nombre "La Societe du spectacle" se hace una crítica a la comercialización y modernización de la sociedad que se ve envuelta en una forma de consumo y espectáculo. Las ideas plasmadas en  La Societe du spectacle participarón e influyeron activamente en el movimiento del mayo frances en 1968 generado por estudiantiles y más tarde obreros con ideas contrarias a la sociedad del consumo.

Guy Debord utiliza el medio cinematográfico para hacer un juego entre la imagen y las palabras, el descontextualizar las imágenes y lo que se dice para hacer una crítica a la sociedad moderna y consumista al equipararla a un gran espectáculo. Sobre todo es interesaste cómo es que Debord usa un medio que las masas utilizan para su entretenimiento y consumo como lo es el medio cinematográfico precisamente para plasamar sus ideas contra una sociedad de consumo y de masas, se replantea entonces la capacidad y posibilidad del medio cinematográfico.

Link para ver el video  http://www.ubu.com/film/debord_spectacle.html

Kenneth Anger

SCORPIO RISING (1966), INVOCATION OF MY DEMON BROTHER (1969),  KENNETH ANGER.

 

SCORPIO RISING (1966) 

Kenneth Anger

00:28:00 min

En este film Anger hace uso de elementos de la cultura pop como el comic, la música popular de los años 50 y 60 para contar una historia entorno al tema de motociclistas. es interesante la forma en la que logra conjugar todos elementos anteriores al compas de la música y el montaje sin ningún diálogo, los temas centrales del film SCORPIO RISING son los iconos populares "rebeldes" como James Dean, los motociclistas y el ocultismo.
 

INVOCATION OF MY DEMON BROTHER (1969)

Kenneth Anger

Música por Mick Jagger

00:11:00 min

En este filme se plasma la cultura del lo oculto y la magia, con este trabajo Anger deja claro su preferencia y simpatía con un estilo oscuro y luciferino, el filme es un collage de imágenes y disolvencias rápidas que muestran un ritual demoniaco.

Kenneth Anger, cineasta y escritor estadounidense famoso por su cine experimental, underground y radical en el cuál se expresa una crítica al cine de Hollywood, dentro de sus obras se puede apreciar el uso de la música y la cultura pop como elementos de crítica, es coniderado como un director de filmes artísticos, oscuros y luciferinos, . Sus películas sobresalen por el uso de la intensidad del color, las referencias a la cultura pop y las disolvencias y rápides de las imágenes en la edición, sus obras fueron una gran influecia para otros artistas y directores como David Linch y Martin Scorsese, muchos consideran el trabajo de Anger cómo más cercano a un trabajo antecesor del video clip que al cine. 

Páginas de interes http://www.kennethanger.org/

                              http://karbolarium.blogspot.com/2011/06/kenneth-anger-el-director-de-cine.html

Links para ver los videos http://www.ubu.com/film/anger_scorpio.html

                                         http://www.ubu.com/film/anger_demon.html

Stan VanDerBeek (Intermedia y Nuevos Medios)

Stan VanDerBeek / Intermedia y Nuevos Medios

Imagen de A La Mode (1959)

Imagen de Science Friction (1959)

Imagen de Poemfield no. 2 (1966)

 

Stand VanDerBeek artista norteamericano, fue el pionero en utilizar el collage, los recortes y la animación virtual como forma de cine experimetal,sus trabajos como A La Mode (1959, Science Friction (1959)  y Poemfield no. 2 (1966) son una muestra de la innovación que hace VanDerBeek al incluir elementos como el collage e imagenes, estos elementos contienen gran influencia de los collages surrealistas y dadaístas, pero sobre todo mantienen una referencia a los collages y obras de Marx Ernst. 

El término de Intermedia y Nuevos medios hace referencia al hecho de incluir nuevas tecnologías cómo el lenguaje de la programación, el collage y recortes para llegar a la creación de la obra de arte audiovisual. en los trabajos de VanDerBeek es importante remarcan que las imagenes y recortes que utiliza son descontextualizadas, sacadas de su referente directo y son convertidas en una imagen que ya no tiene un referente físico, pues al mezlcarse en un soporte visual junto con otros elementos el nuevo referente es puramente lo que ahora se aprecia en un nuevo ambiente, el ambiente creado por la obra de arte, Stan VanDerBeek desarrolló y logró una fusión entre arte y nuevas tecnología. 

Páginas de interes http://www.tate.org.uk/intermediaart/StanVanDerBeek.shtm

Links para ver los videos http://www.ubu.com/film/vanderbeek_mode.html

                                         http://www.ubu.com/film/vanderbeek_science.html

                                        http://www.ubu.com/film/vanderbeek_poem.html

Outer and Inner Space (1965) ANDY WARHOL

Outer and Inner Space (1965)
Dirección: Andy Warhol
Con Edie Sedgwick
33 min

Outer and Inner Space fue uno de los trabajo de Andy Warhol en su faceta de director, este filme presenta Edie Sedwick en un split screen hablando de ella al estarse viendo en la pantalla, en una parte del split se ve a Edie  en dos planos cerrados hablando frente a la cámara, mientras que en el otro lado del split se muestra a Sedgwick en un plano más abierto con una pantalla detras de ella hablando con alguien que esta fuera de cuadro sobre como se observa ella en la pantalla, este elemento de montaje es primordial dentro del discurso de Warhol pues hace referecencia al especio fílmico dentro y fuera de él,  el filme fue rodado en la famosa "fabrica de sueños" donde Woarhol realizaba todos sus trabajos artísticos.
        

Este filme hace relevante la idea del consumo de la imagen, sobre cómo una imagen que representa algo puede ser capatada por la cámara para resignificarla como un signo de consumo, el uso de imágenes dentro de otras imágenes y sobre todo el discurso de representación de la representación de lo que se ve en la pantalla nos sugiere una forma de reproducción y producción comercial que termina en  el consumo de la imagen, que nos remite al origen del cine donde el consumo de la imagen y el espectáculo visual eran el atractivo del medio cinematográfico (como en el cine de los Lumiére), solo que en este caso la reproducción de la imagen y el consumo se presenta con una autoconciencia del medio. La repeteción de imagenes nos regresa a la idea del filme experiemental que pone ánfasis en la repetición de imágenes simultaneas para crear una idea, en este caso las imágenes de Edie son una forma de reproducción comercial y sobre todo de consumo de signos y de lo que representan.

La película utiliza el cine y el video para hablar del consumo de la imagen, fue la primere película en el que Warhol convina el cine y un equipo de video casero, Norelco, que estaba de moda y era la sensación en esa época, Andy ve en el video una forma de expanción de su trabajo y sobre todo una nueva herramienta para su discurso y para hablar del "espacio" dentro del espacio fílmico. 

Este filme también tiene la escencia de los llamados Screen test que realizó Andy Wrahol con la finalidad de crear una seudo fotografía retrato de personajes frente a la cámara.


Link para ver el video http://www.medienkunstnetz.de/works/outer-and-inner-space/video/1/

A Study in Choreography for Camera (1945) MAYA DEREN

A Study in Choreography for Camera (1945)

Dirección: Maya Deren

Duración: 2 min

Video-Danza

En este  filme está marcada una gran influencia para la video-danza,  la formación de Deren como coreógrafa y sobre todo el gusto y su formación a lado Katherine Dunham, quién popularizó las danzas afrocubanas, afrocaribeñas y danzas de Haití marcaron inevitablemente el trabajo de Maya dentro del cine experimental, durante este metraje Deren filma al bailarín Talley Beatty durante la ejecución de una danza compleja y ritmica a través de diferentes escenarios que nunca parecen estar separados. Lo interesante de este film es como se diseña y se realiza un trabajo especial para la cámara, es decir, el estudio del cuerpo y del espacio físico estan pensados para la cámara, el motaje y la edición terminan de configurar una obra en la cuál el bailarín parece que se encuentra en un sin fin de escenarios, como un bosque o una sala de una casa, marcando los cambios a través del movimiento de la danza que se realiza pasando asi de un lugar a otro unificando los distintos escenarios en un solo espacio fílmico sin que se note un corte, tal cómo una danza en un escenario. 

Link para ver el video http://www.ubu.com/film/deren_study-in-choreography.html

MESHES OF THE AFTERNOON (1943) MAYA DEREN.

Mashes of the afternoon (1943) Maya Deren 

Titulo: Meshes in the afternoon (1943)
Por: Maya Deren
Duración:

Música de Teiji Ito añadida en 1959


Cine documental y etnografía.

Maya Deren fue coreógrafa, bailarina, escritora y directora de cine por lo que sus obras fílmicas se vinculan con lo etnográfico, la danza, el trance, los ritos, el estudio del cuerpo y el espacio físico a través de la cámara y para la cámara, no hay una narrativa como tal dentro de su trabajo, al cine de Maya Deren se le considera como "cine de cámara" haciendo referencia a que es un cine no comercial y que no se expone en lugares abiertos o públicos sino más bien intimos, como universidades o pequeñas salas.

Mashes of the afternoon es un cortometraje de cine experimental realizado por Maya Deren y Alexander Hamid, esposo de Deren, en este filme podemos encontrar elementos no comunes en la narrativa tradicional, narra un sueño irreal en el cual podemos apreciar las mismas acciones ya acontecidas vistas por la protagonista una y otra vez, el sueño de la mujer es representado por una especia de pesadilla que plasma en los elemento filmicos planos confusos, lentos, borrosos que sugieren la idea un tipo de sueño fuera de la realidad, un sueño convertido en filme.

Link para ver el video http://video.google.com/videoplay?docid=4002812108181388236

EL HOMBRE DE LA CÁMARA (1929) DZIGA VÉRTOV

El hombre de la cámara de Dziga Vértov  (1929)

 Dziga Vértov formaba parte de un grupo llamado Kinoki (Cine-Ojo) manifiesto en el cual los miembros del grupo refutaban elementos del cine tradicional, el "cine ojo" proponia captar una verdad, más alla de un guión establecido y elemetos como la iluminación o la decoración.  Su objetivo era captar la "verdad" cinematográfica.

 Dziga Vértov "fragmentos de energía real que, mediante el arte del montaje, se van acumulando hasta formar un todo global", permitiendo "ver y mostrar el mundo desde el punto de vista de la revolución proletaria mundial".

El filme pertenece al genero "sinfonías de la ciudad" narra a travez de una montaje rápido, con mucho movimiento y velocidad a un hombre filmando la ciudad de San Petersburgo desde el día hasta la noche, la película narra por medio de la sucesión de imagenes que se entrecruzan y diferentes splitt screens la geometría, el ritmo y la cotidianeidad de una ciudad y los diferentes elementos que econtramos en ella, cómo la modernidad, las nuevas tecnologías, la industrialización y el ritmo de vida de los trabajadores de la urbe etc. Este filme documental pone énfasis en el proceso de producción, consumo del cine osea rodaje, montaje y contemplación, es por eso que nos muestra al operador de cámara dento del filme, lo "actores" no actores dentro del filme osea a las personas dentro de la ciudad y la cámara como el elemento que al fragmentar nos permite visualizar un todo por partes.

Link para ver el video 

http://video.google.com/videoplay?docid=-2809965914189244913

BALLET MECANIQUE

Ballet Mécanique de Fernand Léger y Dudley Murphy (1924)

Dirección: Fernand Léger y Dudley Murphy
Fotografía: Man Ray
Con: Alice Prin
Francia
16 minutos
 

Filme experimental dirigido por Fernand Léger y Dudley Murphy, este filme representa la fragmentación y enlace entre diferentes elementos que se vinculan por el movimiento y la repetición marcando un ritmo mecánico haciendo alusión a las máquinas y su funcionamiento con relación al cuerpo humano,  el titulo sugiere la idea de una danza, el ballet,  entre los elementos puestos en escena, un ritmo mecánico y geometrico, exacto y continuo, el movimiento y baile entre péndulos, engranajes y acciones repetitivas del cuerpo y objetos conforman los elementos más importantes de este filme experimental.

Podemos apreciar como a través de la simultaneidad de planos y de imaganes fragmentadas  visiblemente caleidoscópicas el filme narra una historia sin principio ni final, donde las imagenes retoman un significado a través no solo del tiempo sino tambíen a través del movimiento repetitivo y mecánico, con lo cual se busca empatar la geometría con lo mecánico pero sobre todo crear una simultaneidad entre los elementos del cuerpo, la forma, el moviemiento y la máquina.


para ver el video http://www.ubu.com/film/leger.html